Il progetto

Il progetto

In scena un solo attore, circondato da cinque grandi lavagne e da alcune tavolette, sulle quali prendono vita i tre gobbi e tutti gli altri personaggi della storia. Con buffe voci, disegni che appaiono e scompaiono e un continuo gioco teatrale, ogni personaggio nasce dalla stessa voce e dallo stesso corpo: un professore che non vede molto bene, una strega che non sa cucinare e infine la fada, creatura mitologica della Lessinia, a cui piace danzare.

La storia dei Gobbi è una leggenda dalle origini antiche e incerte. Ne esistono almeno due versioni: una proveniente dai Monti Lessini e una di origine irlandese. In entrambe le tradizioni i gobbi sono due e incontrano una fata che vive sotto un albero.
Nella versione veneta i gobbi ballano, nella versione irlandese, invece, i gobbi cantano, ma il destino è lo stesso: il talento viene ricompensato, la mancanza di impegno penalizzata. In questo spettacolo la leggenda viene rielaborata: per esigenze narrative compare un terzo gobbo, e soprattutto cambia il finale. 
È Plinio, il più riflessivo dei tre, che dopo aver ricevuto il dono dalla Fatina, suggerisce di mettere a disposizione i propri talenti e di usarli per allietare la fatina.

Il finale trasmette così un messaggio educativo chiaro e positivo: ognuno ha qualcosa di unico da offrire e, quando i talenti vengono condivisi e messi al servizio degli altri, diventano una ricchezza comune. La vera magia nasce dall’ascolto, dalla collaborazione e dal fare insieme, non dalla competizione.

Il progetto

Solitario è un’esplorazione viscerale e introspettiva della solitudine mentale, un viaggio in cui il corpo e la mente si trovano intrappolati in un gioco senza fine.
Il gioco delle carte diventa metafora della condizione umana: mescolamento di emozioni, desideri, inganni, e quella continua lotta tra il controllare e il farsi controllare. Il teatro diventa lo spazio dove ciò che è dentro la testa di un individuo può manifestarsi fisicamente, confondendo i confini tra la realtà e l’immaginario.
Tre personaggi si incontrano e si scontrano: la protagonista, la follia e l’avversario. La
protagonista si trova a lottare con i suoi pensieri, mescolati come un mazzo di carte. La follia manipola il gioco, guidando l’avversario per farle vedere ciò che lei percepisce. L’avversario diventa reale solo quando si guarda allo specchio, e la partita continua con immagini surreali ma quotidiane, fino a un nuovo inizio.
Inizialmente, il gioco sembra essere un atto solitario, una battaglia in cui non c’è un
avversario tangibile. Ma più il gioco avanza, più l’illusione di essere soli si dissolve,
rivelando che il vero nemico è la mente stessa della protagonista.
L’uso delle carte diventa così una rappresentazione visiva e dinamica della mente che
lotta per trovare equilibrio e controllo.

La Partitura Gestuale

Solitario si ispira all’omonimo scritto di Kyda Pozza, dal quale viene elaborata una
partitura gestuale, tramite la pratica del verbatim.

Il progetto

La storia di Barbablù, oltre a trattare un tema sempre attuale come la violenza di
genere, è particolarmente cruenta. Consapevoli di questo, nel nostro spettacolo
abbiamo utilizzato un linguaggio delicato, dolce e ironico per riuscire a rivolgerci ad un pubblico di bambini dai 5 anni in su. Abbiamo mantenuto la struttura principale della fiaba che si ripete nelle diverse versioni, dunque il matrimonio con la giovane ragazza, il palazzo sontuoso e la porta proibita. Per poi, attraverso il nostro metodo e il nostro immaginario, creare la nostra originale versione prendendo spunto dalle varie ricerche. Per la costruzione dello spettacolo abbiamo deciso di approfondire la storia di Henri Landru, criminale francese vissuto a cavallo tra ‘800 e ‘900, per cui la scenografia e i costumi ci portano in un contesto riconducibile alla Parigi della Belle Epoque. Come compagnia ci siamo sempre impegnati a rispettare l’importanza della tradizione orale delle fiabe, l’approfondimento delle loro origini e la responsabilità della creazione. Essendo la fiaba un concentrato della vita, è importante dunque che il bambino attraversi non solo gli avvenimenti più leggeri ma anche i più difficili.
Dietro ogni nostra trasposizione cerchiamo di inserire chiavi di lettura sia per i bambini che per gli adulti, così che possa diventare un’esperienza condivisibile per tutta la famiglia.

Il progetto

L’isola dei fiori nasce da una memoria familiare e si radica nella grande storia delle migrazioni italiane di fine Ottocento.
È una vicenda autentica, raccontata con la voce di chi l’ha vissuta e tramandata attraverso un prezioso corpus di memorie autobiografiche.
Lo spettacolo è il risultato di un lungo lavoro di ricerca storica, biografica e archivistica, durato oltre quattro anni.
Alla base vi è la volontà di restituire non solo un percorso personale, ma anche il contesto storico in cui esso si è svolto, con precisione, rispetto e profondità.
Il punto di partenza è la memoria viva e documentata del prozio Oreste Bissoli, a cui è stato affiancato un importante lavoro di approfondimento presso archivi storici locali e biblioteche, volto a esaminare atti di emigrazione, registri navali, testi storici relativi all’Italia postunitaria, per poi passare dall’abolizione della schiavitù in Brasile (1888), fino al reclutamento dei coloni italiani nelle Americhe.
Questo lavoro ha permesso allo spettacolo di poggiare su basi storiche solide, ma al tempo stesso vive e pulsanti, restituite attraverso la forza del teatro. Il rispetto per la verità dei fatti si intreccia così con il potere evocativo della narrazione, dando voce non solo a una memoria individuale, ma a un capitolo fondamentale della nostra storia collettiva.

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“Gretel, al confine con la foresta.” nasce dal desiderio di raccontare una della fiabe più conosciute al mondo in una chiave completamente nuova.
Una bambina ormai cresciuta si presenterà come l’originale Gretel.
Proprio quella della famosa favola.
Una donna adulta accompagnerà il giovane pubblico in un mondo di magia e sorpresa tra narrazione e fantasia.

Tutto si svolge un quello che è il giardino di Gretel, adiacente al fitto bosco e i panni stesi diventano metafora del ripulire la fiaba dalle sporcature del contesto storico in cui viene raccontata ogni volta, così da poter tramandare la tradizionale storia per come era in origine. Ogni volta che vede dei bambini avvicinarsi al bosco, li ferma, li fa sedere e comincia a raccontare il sua storia. 

Mentre lava, Gretel risponde ad alcune domande: cosa è successo dopo che ha ucciso la strega? Che fine ha fatto Hansel? Come mai ha deciso di andare ad abitare proprio al confine della foresta?
Sarà lei a raccontare la sua storia ai bambini, proprio per metterli in guardia, ed attraverso la conoscenza di ciò che potrebbero incontrare, aiutarli a compiere il viaggio attraverso il bosco, ovvero il viaggio per diventare grandi.

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“Cappuccetto Rosso. Nella pancia del Lupo.” nasce dal desiderio di raccontare una della fiabe più conosciute al mondo in una chiave completamente nuova.
Verrà raccontato solo il momento in cui la piccola Cappuccetto viene divorata e si ritrova nella pancia del lupo, nella forma di un vecchio e misterioso armadio.
Traendo ispirazione dal libro “La vera Origine delle Fiabe” di Paolo Battistel, abbiamo ricercato il principio della ben nota fiaba nelle leggende norrene, ritrovando il Lupo Cattivo nel Fenrir, una famelica creatura capace di divorare universi interi, punto di partenza per lo sviluppo della drammaturgia.
Cappuccetto Rosso intraprenderà un viaggio da sola, ingannata dal Lupo cattivo, all’interno della sua pancia. Partirà bambina per uscirne donna, cacciatrice e protettrice della foresta. Diventando essa stessa la Dea Guardiana di quel bosco e chiudendo un ciclo di: bambina, cacciatrice e Dea.
L’obbiettivo dello spettacolo è quello di portare il bambino ad immedesimarsi in Cappuccetto, facendogli vivere l’avventura della crescita. Sarà proprio il piccolo spettatore ad aiutare Cappuccetto, diventando grande assieme a lei.